作者: chequel

丘吉尔 – DARKEST HOUR

關於溫斯頓·丘吉爾(Winston Churchill),印象所擁有的是,世界現代史中關於二戰時的英國在對抗德國入侵時所表現的堅毅,帶領英國人頑強抵抗……差不多這樣的描述印象啦。以及後來在各種媒體所看到他高舉V字手勢的形象。丘吉爾會是臃腫身形,豆大的眼球凸出在鼻樑兩旁,有一種不怒而威的凶相。

是的,觀眾就是留有這麼一種關於角色原型膚淺的形象,當看到Gary Oldman經過繁重化妝後所呈現出來的“丘吉爾”,觀眾是覺得……否定的,從形似而言就差之甚遠,尤其是覺得他的演出總有一種刻意於當中。先入為主,或者是作為觀眾的一種錯誤吧。那麼所剩下的,就是故事,以及故事所表現出來的人物魅力。作為故事裡面的丘吉爾,在面對內憂外患時所表現出來的堅韌是讓人感動的。觀眾所感受到的,更是一個領導人在內憂外患夾擊之下,矛盾而爭鬥的一面,這一面是負面的,如小孩般需要安撫和支持的,他妻子的支持,國王的支持,百姓的支持。更覺得Gary Oldman所演出到的,是百姓如觀眾這般,所不能了解到的丘吉爾這一面。

而再次回到Gary Oldman所飾演的丘吉爾,其實觀眾有時是會覺得他的演出更是該在化妝保護之下才會讓觀眾有種賞心悅目的觀感,否則就會有種刻意用力的感覺。尤其是當丘吉爾面對內閣成員的壓迫時,他所表現出來的兇惡,並非一種不怒而威的威嚴,反是以身份來壓迫下屬……

想想,或者導演所希望呈現出來的丘吉爾,就是這樣的,他臨危受命,面對非議就只能迎難而上,哪怕內心是何其的恐懼徬徨。不過,哪怕人物性格是要呈現如此狀態,但演員又是否如此演出了?

觀眾還是要延續剛才的話語:刻意,刻意地呈現,刻意地改變發聲方式來說對白,來作為丘吉爾,但這是讓觀眾感受到是刻意。只要刻意了,就讓觀眾缺少了對角色的信服。觀眾始終覺得,這不過是演員再一部套在特別妝容保護下的角色演出。

導力 – 空之軌跡

要不是角川遊戲在PSV上復刻這經典的進化版,都不知道自己原來早已將當年在PC版上遊玩的記憶給完全失去了,整個過程猶如接觸一款新遊戲般的欲罷不能。遊戲難度適中,劇情在每章節之間環環相扣,尤其因為那已經模糊得幾乎是完全沒有的記憶所影響下,整個一周目遊戲過程是幾乎在驗證自己對遊戲各項設定是否印象正確的。

鍾情於日版角色扮演遊戲更甚,因為這不單是在控制遊戲人物來闖關,更猶如是在閱讀一個故事,看一部動畫般,精彩!!

  1. 導力系統
    作為『軌跡』系列的開篇之作,導力系統成為遊戲玩法和劇情的關鍵。玩家通過對角色的導力器裝置“結晶迴路”調整,讓不同角色有著千差萬別的個性攻擊以及屬性優勢。
    而在故事所發生的塞姆利亞大陸上,導力系統讓大陸的人民生活發生了顛覆,這完全可以理解是另一種的“蒸汽科幻”。導力就如電力般,為大陸上各大帝國帶來不同程度的發展。但導力的發明,也讓帝國處於相互對峙的國力爭鬥態勢。為人民帶來發展便利也帶來了武器的威脅。
  2. 游擊士協會
    主角們所在的組織,他們周遊各地,在各地歷險並為各地百姓解決困難,不斷鍛煉自己提升自己的協會等級,而後能夠挑戰更具困難的任務。而玩家就是要控制主角們,在各地完成協會的任務,找失物跑腿解決攔路怪獸的,任務種類豐富多樣。但其實遊戲的戰鬥參與角色其實並不限制在游擊士協會成員,連鄰國的外交官、國家的公主、以及天才工程師都能夠參與到劇情以及戰鬥中。而之所以提到這一點,是因為玩家開始天真的以為每一個角色都會是協會成員來的,哪怕開始的時候不是,但經過與主角們的冒險後也會加入到協會中的。但最後證明,這只是玩家一個很無厘頭的想法。
  3. 艾斯蒂爾&約書亞
    玩家以為,系列遊戲之所以被喜歡,是因為遊戲故事中富有個性的角色,當中尤其是男女主角。那純純的青梅竹馬愛情在冒險的同時,也經歷了懵懂至曖昧至相互表白,但最後因為太而選擇無奈分手,彼此間的羈絆讓玩家在遊玩的過程中也受到感動。其實,這也是玩家對遊戲欲罷不能的原因,急切想知道主角們在之後會發生怎樣的故事,想讓角色快速的升級清理路上的小怪和大BOSS,觀看到故事的往後發展。

遊戲在PSV平台上發售復刻,於是PSV所特有的白金獎杯系統也特別奉上,讓喜歡本作遊戲的玩家也遭受到強烈的強迫症影響,有著想要把遊戲的獎杯完全拿下的衝動,這也就讓玩家必須選擇玩二週目甚至三週目才能滿足這衝動。

@記於2015年12月21日


隔了兩年多時間,終於迎來系列第二作,哪怕這在其他各平台都被冷飯過多少回,而玩家終於得以繼續艾斯蒂爾&約書亞的故事,結社殺手和游擊士之間的羅密歐與朱麗葉式的糾結也繼續了,遊戲的故事從約書亞為自己的過去所無法釋懷而選擇不辭而別,艾斯蒂爾在發覺愛情萌芽時卻被約書亞“拋棄”無疾而終,開篇對於她無法釋懷的描寫頗是深刻的,表現刻畫都如戲劇中的角色演出那般。

雖然遊戲的畫面是粗糙的2.5D,人物更只是簡單的Q版卡通低像素形象,對於角色的刻畫更多是通過對白文字來詮釋。所以是覺得,這系列遊戲對玩家來說,更多是以遊戲為載體串聯起來的故事書,故事書有跌宕起伏的情節和龐大繁複的人物關係。遊戲的系統設定更像是服務於遊戲故事的背景設定,讓玩家通過對遊戲的各種操作來增加遊戲的代入感而已,但其實更重點的是,想讓玩家在一場場戰鬥之後達到故事的節點來推進故事,來感受人物之間的喜怒哀樂,故事中所要刻畫人物內心的軟弱、堅強和彼此間的羈絆。

  1. 導力系統
    作為續作,導力系統是整個遊戲故事的關鍵設定,幾乎完全沿用前作的設定,只是對於結晶迴路進行升級,使得可裝備的耀晶片等級可提高,從而可以發動更加華麗更具傷害力的導力魔法。但其實玩家在遊玩過程中,會覺得導力魔法實際在戰鬥中的使用並沒有很重要,玩家所使用到的更多是阻礙魔法和支援魔法,攻擊敵人更多使用的是不同角色特技和攻擊料理。
  2. 結社
    在[SC]中,玩家覺得更出彩的會是結社成員的刻畫,艾斯蒂爾固然是主角,她如何追尋約書亞只是這個遊戲故事的線索,串聯起其他角色們的故事,以及同伴和結社成員之間的羈絆。在終章,BOSS戰之前的四場結社成員戰鬥,和故事之前發生各地的異常事件,都是為了角色關係的刻畫進行鋪墊描寫。當中“瘦狼”瓦魯特和陣之間的殺害師傅之仇,“幻惑之铃”露茜奥拉和雪拉紮德之間的殺害馬戲團長之仇,以及小女孩“殲滅天使”蕾恩的悲慘過去。
    當中,尤其是蕾恩回憶自己的過去最是讓玩家揪心,她的描述雖然沒有很具體,但從當中只言片語中可以感受到她被父母出賣後,經歷過一段醜陋不堪的非人對待。就是通過這只言片語中,玩家串聯起蕾恩所可能遭受到的可能是那些醜陋大人們的強暴,哪怕蕾恩還只是小孩。對於結社的成員描寫,就是她最為讓玩家揪心而不能冷靜看待。
  3. 利貝爾王國
    在[SC]中,玩家會控制艾斯蒂爾和同伴們在利貝爾王國轉了兩圈,來解決各個地區所發生的神秘事件和奇異現象,並經歷四輪之塔上的激戰,並初次進入被遺忘的神秘浮游之國“輝之環”。其實這部分的設定玩家是矛盾的,因為這等於是要讓玩家進入同樣的遊戲場景兩次,挑戰相同的怪獸們兩次,雖然在第二次踏上利貝爾王國各地已經獲得了等級優勢,直接在平原上就能夠消滅怪獸,但玩家就是覺得這種操作甚是枯燥乏味,哪怕發生戰鬥是因為碰觸敵人“地雷”。

其實整個遊戲節奏上都會看到[FC]的影子,走遍各地之後,進入地底迷宮,本作是浮游城市,迎戰BOSS,然後播片。而這是好是差呢?完了這模式多次之後,就會覺得煩厭而想盡快完結旅程趕緊播片看結局。是會覺得這遊戲的樂趣不在於遊戲系統,而是遊戲所承載的故事。

@記於2018年03月16日

忍者? – 风魔小次郎

感謝新時代,讓讀者彌補了兒時所未能完整看完這部漫畫的遺憾。但……

其實讀者近來有一種為情所困的狀況,不對,該說一直都有一種”愛在心裡口難開”的苦惱。但根據過往所曾有過的經歷,這種苦惱如得到解決,則會換來的是失望和不再愛。而如今看完這部漫畫後,這種感受同樣發生了。其實很多時候,所期待的事情,或者只是一廂情願,是自己所期待的美好,但實際又有多麼美好呢?則難以形狀。

讀者對車田正美所創作的「聖鬥士星矢」之熱愛,影響到會期待在這「風魔の小次郎」找到似曾相識的感覺,尤當知道這漫畫是先於「聖鬥士星矢」的創作,則更是覺得可以在當中看到之後創作的雛形。而實際讀後覺得,是會有後者的相似影子,尤其是小次郎,完全就是星矢,那種熱血衝動天不怕地不怕的氣魄,十足就是脫下了聖衣的星矢穿越到日本。而這是整部漫畫稍微可以讓讀者找到滿足感的,失望的,則算故事,比動不動就被打到頭落地而血流滿臉也能爬起來的畫面更是驚悚。

在日本兩所校園,白凰學院遭到誠士館的圍剿迫害,學院校長(少女?)無奈只能請人前往深山尋找隱世忍者組織”風魔家族”前來幫助,而由此就帶出了主角小次郎出場。而且是擁有絕對的主角光環,在屢屢戰鬥之下都能立於不敗之地。而其實這是讀者當年有所煩厭星矢的特色。

在將誠士館的危機解決後,發現背後原來另有一組織”華惡崇”,組織是為了將傳說神劍收集起來實現對世界統治的陰謀。其實大抵就還是一種毫無緣由的開始和結束。讀者覺得本來這故事的承接關係還是可以接受的,本來敵對的兩人因為要對抗同一敵人”華惡崇皇帝”而站在了一起。其實讀者會喜歡這一段的,因為有十把造型各異且有獨特能力的聖劍出場,猶如聖衣一般。雖然在角色塑造上會偏於表面化,尤其是華惡崇一方,幾乎談不上角色性格特點,基本都是出場不可一世結果卻不堪一擊。

最讓讀者”驚悚”的是,故事在對抗華惡崇之後,竟然還有一段是風魔一族內部陰謀策反的,本以為車田如能將華惡崇一段可以做個適當的結束,說明聖劍之戰背後的真相或者這段延續千年的大戰的事實,給予一個熱血少年漫畫那種拯救世界的大愛解答就是美好。卻竟然還用了綿長的幾話來狗尾續貂出正義一族的內部邪惡,甚是讓讀者感覺失望。

畫風而言,此時的車田正美該還在摸索階段,所畫的角色面孔來去就那麼兩三套,僅僅從角色髮型來區分,角色的衣服更是談不上,不是全黑就是全白,角色塑造幾乎是談不上的。唯一覺得具有特色的卻是那十把聖劍,怪不得在之後的「聖鬥士星矢」也是聖衣更見性格特色。

而且愈加感覺,車田正美的畫風有相當濃厚上世紀少女漫畫星星眼的特色。

少女 – Lady Bird

青春成長電影實在很難獲得共鳴與感動以感受到作者所希望傳達的信息,奈何觀眾實在是沒有這種青春經歷和叛逆,箇中的離經叛道是讓觀眾都覺得荒謬。或者這也是作為觀眾所希望能夠從故事中獲得一些什麼的時候,所大忌的。所以觀眾猜測電影上映後所獲得的一致好評,到底是因為評論話語權正是電影的目標觀眾呢?

而觀眾並不在這當中,無論是年齡、環境以及經歷。

這是少女在高中時候的一段成長歷程,她不接受自己的家庭、自己的名字、和自己的朋友,期盼那些遙不可及而不屬於自己的生活,她給自己取名”Lady Bird”,隱瞞母親填報紐約的大學,結交樂團男友,欺騙朋友自己的大房子。成長叛逆,似乎離不開是對自己所擁有的抱持否定的態度。

而想想,原來觀眾也並非那麼的與電影缺少共鳴,原來在對生活的否定中是有那麼強烈的共鳴的,只是觀眾的期盼較之女孩多了幾分的中二色彩罷了。

而成長的必然結果,是當經歷失意和背叛後,才能從中認清自己的路向,和自己所擁有的幸福。這,或者該可以說是認命了吧。故事結構是簡單的平鋪直述,沒有波瀾起伏,就只是平淡的展示一個少女在某一段成長過程。甚而觀眾都疑問,這到底是否值得以電影的大螢幕的形式來讓觀眾感動?因為少女觀眾們並不見得會因為看了一部電影而得到啟發,醒悟自己當下的迷失。哪怕故事是發生在他們自己的身上,或者曾經,或者身邊⋯⋯

死後世界 – 與神同行

在盛讚之下,對電影是有所期待的,然而一再的歷史證明,觀眾與盛讚很多時候是矛盾的。且再因近期所觀看的諸多電影或動畫,都是與”地獄”這題目有所關聯的。哪怕真發生期待落差,題材而言也算是豐富了對”地獄”設定的認識。

會欣賞電影開場的直接,毫不拖泥帶水作鋪墊,開始就將主角消防員金自鴻因為救人而墜樓犧牲帶出,而後就在三位地獄辯護人的陪同下在地獄開始7場審判之行。電影其實有著原著漫畫的加持(或拘束),所以對於觀眾而言,偶爾出現的關於三位地獄辯護人過去的閃回,是會有些突然的。這”突然”的情況,更有是出現在”隊長”江林要回到人間抓住和金自鴻有直系親屬關係的冤死鬼的一條故事線。其實整部電影可以理解為三條故事線,金自鴻的地獄審判和江林追冤死鬼是平行進行,而在對金自鴻進行審判時,挖掘他的過去以及他短暫人生中所背負的人倫悲劇,則是第三條線。

於是,觀眾是會被這三條線的相互穿插所影響的,單純從觀看故事而言是會被騷擾的。尤其是追捕冤死鬼的故事線,觀眾而言其實是不明白存在意義的。尤其是帶出弟弟是如何冤死而牽涉出的兩位兵團同伴,由都暻秀所飾演錯手殺害同伴的士兵,觀眾看得最是痛苦,人物的窩囊演員的蒼白,再加上飾演金秀鴻的演員容貌,兩人同場時都是讓觀眾聯想起另一部電影「哥哥」,也就愈加之讓觀眾在觀看這一條故事線時會被影響觀影情緒。

這種觀影情緒,就是一種厭煩角色犯傻的情節。或者會為了推進故事製造矛盾,角色的性格設定上都會出現犯傻的情況,而這犯傻還會被提早立旗要告訴觀眾,尤其是解怨脉誤將真相告訴金自鴻的犯傻。當隊長離開再三叮囑時,觀眾就已經預知不妙。

除卻故事而言,畫面視效是華麗的,尤其是對地獄七界的刻畫。

忠於自我 – The Greatest Showman

完全可以認為電影也是在說一個大話題:忠於自我,承認自我,無論自己是怎樣的人,在什麼的階級、擁有什麼的身份、是什麼樣的容貌,所應該做的是接受這樣的自己,接受自己的缺陷、接受自己的不足、接受自己的所愛。這甚至可以延展到同性戀的自我認同,而且從演出陣容而言,觀眾也覺得這是在以一種世俗的表演來給予並不世俗的人們以安慰。

只是一個低下階層的小孩,因為愛上富裕的大小姐,而努力上爬,以各種手段來獲得大眾的認可,哪怕這”大眾”是三教九流之士,又或者只是普通百姓。這手段是組織一隊馬戲團,通過他們的表演來給予觀眾們愉悅,哪怕這些愉悅難得大雅之堂,起碼在美國這虛偽的自以為高端的社會來說是不齒的。

馬戲團集合了各種奇人異士,他們或者出身低微、或者身有殘障、或者為外人看是相貌古怪的。但他們還是表演了讓全城所鼓舞的馬戲演出,哪怕當中會偶有謊言或者誇大其辭。只是,人心是奇怪的事情,吐氣揚眉也並非於人人來說是善事,因為會讓人因為一時得志而忘記了本初,忘記帶給自己所有的因由是那些為世人所不齒的夥伴們,當他成功之後,他也如其他人那樣將這些”醜陋”的夥伴捨棄,妄圖遮掩”醜陋”。

其實觀眾在觀看的時候,會想到另一部的動畫電影「歡樂合唱團」,總覺得人物的結構太相像了,團長所做出的一切的本源其實都可能因為一些自私而陰暗的原因,最後他們失去了所曾經擁有的繁榮後,所拋棄的夥伴並沒有棄他而去,而是哪怕環境如何的不濟都願意於他同甘共苦撐下去,只是本片的團員們因為在馬戲團獲得了認同和歸屬感。是的,忠誠的原因有時就是那麼簡單,團體所能夠給到他們的歸屬感。

就認為這是一部歌舞片吧,也實在沒有比”馬戲團”更適合配合上歌舞片的形式了,當然不說第二男女主角那一場空中飛人互訴衷情是有多麼華美精彩,團隊建成時歌舞片與馬戲團表演的無縫結合實在絕妙且恰如其分。只是覺得作為電影而言,有點浪費了擁有這麼多豐富人物素材,如果對每一個成員都能有所筆墨來刻畫描寫,而在一些團體歌舞時都分散予他們表演鏡頭,那種鼓舞和感動覺得更會滿足。

團員們在馬戲團大樓被燒毀時仍因為團隊所能夠給予的歸屬感外,更覺得是能夠給予安全感,做自己的安全感,不需要對自己的容貌有自卑,不需要遮遮掩掩自己的本真,忠於自己。

老 – 飛越老人院

又是一部關於“老去”的電影,又是一部喚起對“老”的思考。以觀眾目前的狀態,孤獨地老去或者會是一個情況,而到那時候,是否就選擇進入老人院,所擁有所能夠看到的就是老人院頭頂那片天,直到死為止……如王德順所飾演的老林在反抗院長的請求時所悲鳴的,“我不想就這樣死去。”是呀,觀眾也不想就這樣孤零零地死去。

但誰又不是孤零零地來到這個世界,然後孤零零地離開這個世界……只是,來到這個世界的時候,有父母的保護來迎接,而離去的時候,是否有子女的關切?於是電影就從老葛被繼子“趕離”而離開了自己原來的家,因為不被親身兒子接納而投靠已在老人院生活的老周。老人院的老人們,因為老周平常所組織的活動而有了在死寂的生活中的些許活力,也因為參與到的表演活動而激起了要前往天津參加比賽的衝動。

“衝動”,這在年過古稀時似乎是那麼難得的事情,但就是發生了,平靜的湖面被一枚小石頭激起了漣漪,喚起了曾經的叛逆。年少時叛逆父母的專制,年老時叛逆子女的“不負責任”。是的,有時“關切”只是因為不負責任,畏懼因為些微的事故而帶來子女平淡生活的煩心。電影所存在的矛盾,其實不是年歲老邁,反是父母子女之間那種疏離的關係。在電影中,這種疏離或明顯或黯淡,老葛跟兒子的恩怨是明顯,老錢跟老總兒子的關係是黯淡,但其實都是一種疏離的情感狀態。

老葛在草原上跟兒子說了一個故事,成年的兒子在父親一再反复問同一個問題時所表現出來的煩躁,而父親在年幼的兒子一再反复問同一個問題時的耐性,這是一個讓人悲傷而無奈的現實。當時回頭想,或者這是因為兩種心態,一種心態是因為迎接生命的成長,而一種是因為等待生命的消逝,一個是積極一個是消極,而於是……

當然,從道德來說,這不該成為任何不孝不德的合理理由。

在老周最後的時光中,大家來到沙灘,等待朝陽的升起,而老人院的大家為了紀念這位老夥伴也以大家的表演來再現當時所最後看到的“希望”的光景,但想想,這何不是一種悲哀呢?一種生命必然的悲哀。而且,觀眾很不喜歡表演之後鏡頭拍著老周的遺照,原來平靜的肖像變成了歡笑。不喜歡,是因為這表現形式讓觀眾覺得俗氣而流於膚淺,並非歡愉而欣然感動,觀感是消極的。

文藝青年 – 路地戀花

因為閱讀習慣,所以單純依賴漫畫封面就作選擇,淡雅的用色細膩的筆觸,都告訴了讀者這是一套少女漫畫,是希望以溫潤的畫面和應該會是溫暖的主題來感動讀者。是的,在日本京都東山區有這麼一條巷道,裡面聚居着一幫或青澀或成熟或隱匿的手藝人,他們各自都有著因為自己的手作而引出來的因緣際會……

讀者其實更關注的,是漫畫所描繪出來各種手藝的製作過程和作品。本來繪畫就是一種很細膩的手作過程,而以手作來表現另一種手作,就會有一種奇妙的閱讀感受,似乎能帶來別樣的美感。以為作者麻生美琴還是如其他少女漫畫家那般,筆墨清淡線條細碎,巷道裡的各家小店場景都巨細無遺地描繪出來。

而關於故事,幾乎是除了手工制書的女手藝人邂逅巨星外,之後就再沒有其他能夠讓讀者有所印象深刻的了。或者裡面的感動都太俗套了,哪怕是有依附在了”手作”題材上,哪怕是群像地呈現,都只是讓讀者淺淡的感受。

萌娘 – 侵略!烏賊娘

都忘記這到底是第幾部看過的“水島努+橫手美智子”組合拍出來的日常動畫了,依舊的日常搞笑又萌系,同時還會夾有水島努另一擅長的恐怖情節穿插其中。漸漸地,觀眾只要知道看的是水島努所監製的動畫,都會期待會有恐怖情節在之後的某話出現。而且所表達的恐怖都絕對會是觀眾回想後背脊必一涼的級別。

開始於人類對海洋污染肆無忌憚,生活在大海之中的烏賊娘忍無可忍來到陸地,勢要侵略人類,狠狠地懲罰他們。奈何她運氣實際欠佳,經驗實在凋零,內心實在善良,上岸選擇到一家危機重重的『海之家』餐廳,損壞了餐廳設施慘遭店老闆大姐的武力威脅,被迫在店裡打工償債。於是烏賊娘的地球人生活就開始了~~

其實看日常系動畫,最歡喜的是在於每一話都簡短精緻,點到即止。就說烏賊娘上岸後如何融入『海之家』的生活,又如何在誤打誤撞中結識到千奇百怪的“其他人”,一步步學習地球人的生活和風俗,經歷各種自己所不理解又或者地球人所不理解的事情……要數印象深刻的劇情,則該數這麼幾話:烏賊娘被誤會是幽靈,被分開的娃娃,烤肉的心機計算,被縮小了烏賊娘,也因為比較近期的緣故,第二季中所看到的印象會比較鮮明。

其實觀眾有時是因為水島努的面相而以為他會是正直的動畫監督,不傾向於當前肥宅們所熱愛看到的元素。但當看到第二季OP結尾時,倒數的一個鏡頭竟然是從烏賊娘的小屁股開始時,觀眾PIAPIA地打了自己巴掌……

地獄 – What Dreams May Come

人死後會前往何方?是失去軀體般的僅存心智漂浮在現世,還是墮入地獄在苦難中徘徊,抑或是升上天堂沈溺在沒有苦難的世界?電影倒是給了另一個解答⋯⋯故事根據Richard Matheson的小說改編,在受到子女同在交通意外死去的悲劇之後,丈夫也在之後的又一場交通意外死去,接連失去親人的噩耗讓留在現世的妻子徘徊在墜落地獄的邊緣。

電影通過丈夫的角度,來呈現人死後的世界。觀眾會欣然接受這”世界”的設定,人死後是會墮入到在世親人和自己所塑造出來的世界,這個世界到底是怎麼樣的,取決於離世者的心,所以觀眾看到丈夫死後的”世界”,是油畫般的壯闊華麗,那是妻子的畫作所雕琢出來的,這世界的一切都在油彩顏料的畫制下,踩踏在土地和花草上、沈浸在湖泊中,都會沾染上油彩。在視效處理之下,世界中的一切都如經過濾鏡般的披上油畫顏料的包裹,丈夫就如置身在油畫當中。觀眾相當喜歡電影對丈夫世界的刻畫,將繪畫融入到電影之中,有著兩種藝術形式交匯集結的美感。

妻子終於還是耐不住內心的愧疚感和孤獨感,選擇了自殺。而於是,她墜入了自己的地獄,被凋零包裹了自己,窩身在破落的家中,被悲劇的記憶所纏繞,完全認不出面前的男人就是自己的丈夫。其實確實,有時想,較之離世的人在世者可能更加悲慘,失去了伴侶而只有遙不可及的思念,和等待。等待自己也離開現世的到來,不在被思念折磨,而這,也是地獄呀。

觀眾在讀書的時候在電視上看到這電影的上映廣告,就為丈夫在自己死後的世界所吸引,為當中似乎充斥幻想的美好所吸引,當然也會有”所以為”的故事形成了⋯⋯

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